dialogues avec un livre

Audomaro Hidalgo, Mère saturne Après une lecture, quand les intentions de l’auteur ont été un peu oubliées, même les plus explicites et nourries de réflexions, demeurent précieusement quelques images rayonnantes, le gonflement des phrases, un rythme, l’épanouissement d’une couleur, cet espace ravi par la sensibilité, posé dans le nid d’une langue. Mon berceau. Il faut simplement laisser faire le temps. Devenir soi-même filtre pour le temps. Le laisser se déposer à travers soi, dans son incarnation passagère, les mots. Ainsi, j’ai lu Mère saturne du poète mexicain Audomaro Hidalgo, puis dans la foulée, les autres recueils qu’il a publiés aux éditions Phloëme les deux années précédentes et traduits si sensiblement en français par Gaëtane Muller Vasseur, Incision et Les desseins de l’intempérie. Lecture à rebours comme j’aime le faire – prendre un livre par la fin et remonter le courant – qui s’est révélée être celle du temps de l’écriture. « Le temps est le faiseur » And ne forthtedon na … Le temps pousse comme poussent les petites fleurs colorées autour de la tombe. Le temps n’est pas le Rhône qui coule toujours plus loin, vert et monotone, sans pause. Le temps est la fleur que nous aimons et dont nous souffrons, la fleur que nous ne pouvons pas couper. Le temps naît, il émerge. Il ne vient pas du passé, c’est une vague qui surgit et se fond dans le feu de l’instant : le fleuve nocturne des heures s’écoule de sa source, qui l’éternel demain* … (*Miguel de Unamuno, Rosaire de sonnets) Le temps, titre et sujet du recueil. Il est le temps suspendu à la profondeur des souvenirs – grand-père, voix, forêt, oiseau -. Le temps farouche de Saturne dont le vide est l’angoisse. Tombe et berceau du temps où reposent les êtres aimés disparus et où grandissent ceux qui naissent. Il est aussi le temps de la terre, vieilli sous la forme d’un continent où les accords sont plus lumineux, où le mot feu n’est pas assez ardent, le Mexique et l’Amérique du Sud incarnés par les écrivains, Jorge Luis Borgès, Octavio Paz, Alfonso Reyes… Il est obscur, il s’apprivoise, il enseigne la patience et distribue sa tendresse « comme une douce rafale dans le vent ». Il apprend au poète à méditer les yeux fermés et à accepter de ne jamais savoir comment il va pouvoir s’en saisir par l’écriture. Arcane XVIII … Alors qu’il s’était emparé d’une feuille et d’un crayon pour tenter d’écrire son prénom, je l’ai vu un jour totalement désemparé. Mon grand-père, en revanche, pouvait lire les journaux et la Bible dont j’ai héritée, et qui reste ouverte sur la table de travail de mon appartement minuscule, tandis que je parcours ce pays des rêve dont des fragments me reviennent en mémoire : Comme une seule vague qui est toute la mer* qui naît soudain et avance et grandit et avance et grandit et finit par se briser sur ton visage, pour rassembler ensuite les débris d’un naufrage, les ramasser, les recoller au mieux, en cherchant un retour non par l’ordre mais au chaos naturel, organique, originel. … (*Octavio Paz, « Mutra ») « Errer est le chemin » Dans Mère saturne, Audomaro Hidalgo articule la prose et les vers. De la réflexion et de l’analyse à l’ expression pure d’une sensation, il ouvre largement l’éventail des possibilités poétiques, toute forme stylistique glissant dans cette errance choisie. Car le temps se moque bien de nos compréhensions quand il se retourne comme un gant, nous donnant à connaître sa matière bien vivante de désir et de sang, de mort comme une fête*. (*Citant Borgès, « Cette nuit, Abramowicz, tu m’as dit, sans parole, que nous devons entrer dans la mort comme on entre dans une fête ».) J’aime dans la poésie, sentir se disperser la volonté, tandis qu’à tâtons à l’intérieur d’un texte se précipitent les mots, furtivement les mots. J’aime que le poète reconnaisse combien l’écriture est une langue qui passe de bouche en bouche. Parce qu’on trébuche soi-même, toujours l’inquiétude, l’impuissance, toujours la dernière heure, la dernière fois qu’on a embrassé, serré, bavardé avec ceux qu’on aime, parce qu’on pleure sans le savoir, parce qu’on s’enflamme de joie, n’ayant d’autre garde-corps que ceux qu’on aime … J’aime partager avec le poète ce sentiment que le flot du monde serait inconcevable sans la poésie de Borgès, de Paz ou de Reyes. J’aime aussi à côté des vers mouillés de désir, entrer dans les rêves murmurés par d’autres, jardins, forêt d’où émane une odeur que je froisse à mon tour entre mes doigts. Arcane XVIII La Lune Ecoute l’aboiement du chien, le hurlement tenace du loup dans la pénombre ouverte. Ecoute-les, ils sont ton ombre manifeste, ils te demandent les pages écrites avec courage, pas avec des mots. Fumée sont les objets si tu les touches, si tu regardes à travers le verre igné de la nuit, la lune. Tes poèmes, le rêve où en d’autres temps meurt sans affliction ton père, tes intimes misères, tes pensées, la racine du désir, chaque image atroce qui te hante façonne ton trésor, te laissant parfois vaincu. Ecoute comment palpite l’univers autour de toi, à l’intérieur de toi. Ecoute le profond silence des eaux, le paysage sans lumière de la blessure. Ecoute l’herbe croître dans le bassin vide des morts. « Que les cendres des morts redeviennent feu » Il y a dans cette poésie des lointains où les nuits bleuissent, forêt profonde, gorge d’oiseaux, quiscale, Pierre du Soleil et Feu nouveau. C’est un monde d’opulence, de sang et de parfums qui surgissent. Un monde d’images comme la photographie qui est le point de départ des premiers textes du recueil. Un monde de sensations qui emportent le poète où qu’il vive dans le monde : le grand vent du Havre, « le soleil blanc qui se révèle dans toute sa beauté juste au-dessus de l’église Sainte-Anne et du square Holker où, inlassablement, j’aime lire, écouter le délicat murmure de l’eau, réfléchir à la manière de façonner une pensée sensible. » Fiorito La photographie que nous avons devant

Henri Lefebvre, « Les unités perdues » Lecture par Thierry Moutard de l’ouvrage d’Henri Lefebvre, Les unités perdues, Manuella Editions, 2011 Un ouvrage sans pareil où l’auteur énumère une liste d’œuvres perdues, oubliées, détruites, inachevés ou même restés à l’état de germe dans la pensée créatrice de l’artiste. Cela va bien au-delà d’un exercice de littérature conceptuelle, c’est un livre porteur à la fois d’émotions, d’une réflexion sobre, non seulement sur l’art mais sur l’aventure humaine. Difficile d’écrire sur cet ouvrage passionnant … Alors, petite présentation brève, en quelques mots-clés, et en préambule du lien hypertexte, placé à la fin de cet article, qui vous permettra d’accéder aux premières pages de l’ouvrage : La genèse du livre (traduit en anglais, allemand et portugais) Gros lecteur de biographies d’artistes, Henri Lefebvre imagine le concept de son livre en relevant une première perte d’œuvre dans l’autobiographie d’Elias Canetti,La langue sauvée : Histoire d’une jeunesse.Cette toute première perte notée, précise Henri Lefebvre1, « concerne le sculpteur autrichien Fritz Wotruba qui, avant de quitter Vienne en 1938 pour la Suisse, avait décidé d’enterrer une sculpture intransportable dans un lieu public de la capitale autrichienne. À son retour à Vienne, en 1945, la sculpture reste introuvable, elle avait totalement disparu ». L’écriture de cette anecdote est devenue l’un des éléments déclencheurs du projet. Une archéologie des deuils de l’aventure humaine Il est question de deuils également, de pertes irréversibles d’œuvres d’art rassemblées ici en quelques dizaines de pages sous la forme d’une cérémonie d’adieu … De quoi s’agirait-il : d’une lente archéologie d’une multitude de pans de la création humaine, enlisés dans les sables mouvants de l’Histoire et dont ne subsisterait que le souvenir ? Non, ce livre est bien plus que cela. Son projet est plus nettement la célébration de la vie au moment de l’inscription du défunt dans une mystérieuse éternité. Cet ouvrage est bien une célébration de l’Art avec une majuscule, à l’instant où l’Art se perd peut-être, à l’instant du passage du témoin entre le mort et le vivant pour que l’Art poursuive sa route… L’écoute en soi du deuil et de notre disparition prochaine Un poème en forme de litanie qui essaye de circonscrire, non pas l’ensemble des pertes de l’histoire de la création humaine, mais le premier périmètre d’une abondance de pertes … comme un trou béant autour duquel on se penche … sans même avoir la facilité de dissiper « le ressenti douloureux et la perte irrémédiable » par le jet d’une poignée de terre … Tout passe, tant de chefs-d’œuvre à jamais disparus … et ce livre semble nous dire, et à toi lecteur, quand viendras-tu (reviendras-tu) ? Le paradoxe de cette notion d’unité : le deuil chemin de Vie et de désir Ces unités sont présentées au pluriel, on pourrait penser à un oxymore, mais au contraire elles nous font entrer dans le cœur du sujet : ce carrefour que l’Art permet entre la multitude infinie des objets de création et l’unité de chacune d’elles … Ces unités perdues renvoient bien sûr à notre « unité perdue », trésor peut-être qui donne un sens à notre chemin … Trésor que cette part manquante soufflant sans cesse sur la braise de nos désirs et faisant ainsi de nous des Vivants… Le rythme du texte qui appelle à être scandé presque comme un mantra A la lecture, s’élève alors un grand chant qui semble célébrer toutes les pertes, cette béance en nous du désir à la recherche de l’unité perdue… Un mantra de la perte qui va chercher l’émotion en profondeur, par la répétition, dans une succession de petits chocs sismiques, comme pour la prospection pétrolière. C’est tout l’art de l’auteur d’avoir su trouver le ton juste pour permettre ce jaillissement une fois le gisement atteint … Le ton : où la sobriété sert la profondeur Il y a dans les lignes de Henri Lefebvre, pour chaque unité, à la fois la précision d’un rapport d’huissier, mais aussi en contrepoint quelque chose des oraisons funèbres de Bossuet. L’émotion que l’on éprouve à lire et à écouter cette litanie tient au fait que, comme sur le bord d’une pierre tombale, elle ne vient pas emplir de suffisance celui qui l’éprouve, mais va l’entraîner au contraire, par un effacement voulu, à rejoindre les unités perdues … À la recherche du sujet perdu L’auteur indique dans un entretien que « redonner une place de sujet à l’œuvre perdue, c’est le premier effort de ce livre », et qu’il y en aurait d’autres qui resterait à formuler … Peut-être que justement l’auteur permet au lecteur de retrouver aussi une place de Sujet … Un Sujet en forme d’espace vide structuré autour de son manque et de la perte fondamentale, sans doute, provoquée par son entrée dans l’existence … Le grand œuvre qui viserait à retrouver une place de Sujet passe par consentir à faire le deuil2 du moi, ce constant imposteur du sujet dont il tâche de quelques oripeaux d’habiller la nudité essentielle et primordiale … La ponctuation sans point final organise la ronde Il convient également de souligner que chaque unité perdue est reliée à la précédente par un signe typographique particulier, un « glyphe », qui a fonction de battement, qui donne le rythme saccadé, mais en reliant les pertes les unes aux autres, comme une grande ronde dansante, la ronde de l’humanité… L’absence de point en terminaison des phrases marque bien la succession des pertes enchaînées, il n’y a de constant que la perte … Jusqu’à l’absence de point final à l’ouvrage dont l’auteur prévient qu’il est « un infini dans lequel tout peut être instruit, placé » … Alors, probablement les unités ne sont-elles pas perdues mais disposées dans cet infini … L’éternité de l’inachevé Mais cet ouvrage révèle aussi le ressort de la sensibilité artistique de l’auteur qui fait le choix résolu de l’inachevé, préférant l’infini potentiel d’évocation, à la clôture d’une « œuvre amputée de son potentiel d’évolution », selon les termes mêmes de Henri Lefebvre. Dans les deux cas, c’est un au-delà de l’œuvre qui entraîne notre regard, que celle-ci soit présente et figée, ou perdue, le plus

Zoé Besmond de Senneville, Sourdre Zoé Besmond de Senneville était invitée à venir au Havre à l’occasion de la « Criée des poètes » organisée par Lignes d’Horizons du 14 au 16 mars 2025. Elle a présenté son travail à La Petite Librairie et tout particulièrement deux livres, Journal de mes oreilles et Sourdre et autres poèmes, dont elle a lu des extraits. Son engagement créatif est multiple : écrire, lire, parler, jouer. Le corps entier accueille ce qui doit s’exprimer. Il est aussi intense : intimement nourri, il va à l’essentiel. Le thème de ces deux livres est la surdité advenue à l’âge adulte. La poétesse est traversée par les mots. Des mots qui chutent elle – ou dans un mouvement contraire en jaillissent. Car l’expérience qu’elle vit est double et nécessite d’être racontée pour « ne pas la faire imploser ». Tout d’abord, la surdité dont elle subit l’appareillage de ses « oreilles robotisées ». Dessous, murmures, grésillements, vibrations s’offrent au corps dans son besoin d’être « peau animale, peau immense, peau intelligente, peau oreille, peau caresse, peau étendue, peau pays, peau nuage, peau traversée » (La fille sans oreille, performance 2024). Les textes de Zoé Besmond de Senneville témoignent d’une lutte. Sans mentir. Sans cacher « la violence inouie ». Poétesse, elle se projette toute entière dans son expression. Le visage pensif sur scène. La voix ardente. Nous initiant à sa quête : le corps, l’amour. La beauté des mots se tient en équilibre sur la souffrance. Incluant aussi un grand désir, une suavité de vivre. La fille sans oreille, performance de Zoé Besmond de Senneville et Xavier Mussat, guitariste et compositeur, filmée par Lazare Boghossian le 16 janvier 2024 au studio Beau Labo, Montreuil https://www.youtube.com/watch?v=Vk0egWDU9js Zoé Besmond de Senneville, Sourdre et autres poèmes, Maëlstrom Reevolution, 2024 recueil de poésie dont certains textes sont issus de l’album « Sourdre (et autres poèmes) ». Zoé Besmond de Senneville, Journal de mes oreilles, récit, Flammarion, 2021 Le podcast à l’origine de ce livre est à écouter sur : https://open.spotify.com/show/0GUFPRE7lB9g3u6RYS2Moi Et pour en savoir plus, le blog de Zoé : https://zoebesmonddesenneville.art/

Isabelle Poncet-Rimaud, « Katty Verny-Dugelay ou la parole ardente » Le 13 janvier 2024, le monde de la poésie a perdu l’une de ses plus ardentes voix, celle de Katty Verny-Dugelay que la maladie a fait taire après une lutte acharnée et digne, à l’image de cette poétesse tendue tout entière vers la lumière de la vie… De la vie à l’art Katty Verny-Dugelay est née en 1930 dans une région où règne le soleil, près de Clermont l’Hérault dans le Languedoc, au hameau de Fouscaïs. Ce nom de lieu, si souvent prononcé par l’auteur, signifie « les fonds baptismaux où naître » et évoque la fontaine, source vive et constante, l’eau qui « adoucit la rugosité » dit-elle dans son recueil Labyrinthe du rêve. A ce lieu originel, sa poésie viendra boire inlassablement… Katty Verny-Dugelay a vécu sa vie d’adulte à Paris, mais son enfance et sa jeunesse, c’est important, se sont déroulées dans ces paysages du Languedoc qui ne cesseront de l’imprégner. La mer, la flore, la faune, les lieux et le climat de la méditerranée imprègnent sa vie et son écriture. « La vie » écrit la poétesse » « tient son scalpel /dans les doigts d’une main ». De fait, la vie lui fera connaître le bonheur, certes, mais ne lui épargnera pas la douleur et le deuil. Mariée au peintre Yves Dugelay, Katty aura trois enfants dont deux disparaîtront avant elle. Courageusement, avec lucidité, elle écrira dans La pointe du souffleur, « les lames de fond sont les seules qui t’apprendront à sécher tes larmes » et obstinément elle se tournera vers « le guet du soleil et de la joie », vers la recherche de la lumière et l’apaisement de l’espérance. De 1984 à 2022 paraîtront onze recueils aux titres délicats : Empreintes, Corolles de l’ombre, Herbe ouverte, par exemple. Son dernier titre, Le chant de l’être clôt le chemin et rend grâce à la vie par ces mots sobres et ciselés dont la poétesse a le secret et qui mettent à nu le cristal de l’être tout brillant de la saveur de vivre. Tous ces recueils en vers libres ou en prose poétique sont des itinéraires intérieurs, des trajets initiatiques où, comme le dit Rilke, « faire de l’art » creuse « le chemin vers soi-même ». Art et vie sont intrinsèquement liés chez Katty Verny-Dugelay. Ces chemins parcourus déshabillent du superflu et révèlent l’essentiel, c’est-à-dire, l’être. Le paysage est celui « dont on se vêt » (Sente buissonnière) et le lieu géographique ou physique d’où l’on part est seulement prétexte pour arriver au lieu intérieur, où se concentre toute la densité de l’être. Le poème se fait alors « médiateur » et « lances de lumière » (Le chant de l’être). Décrypter le réel Cette poésie s’appuie sur le réel, le concret pour mieux donner forme à l’invisible. La poésie de Katty Verny-Dugelay, en s’appuyant sur l’expérience, le vécu, l’observé, révèle la transparence des choses. Son œuvre poétique cherche « l’intime réponse » ( Le chant de l’être) à partir de signes souvent ténus que son âme de poète lui propose de décrypter. La sobriété, la précision de ses mots ouvrent alors l’écorce de l’apparence pour en révéler l’amande cachée. Tout est prétexte à « recueillir l’écho » de ce monde offert, « d’avancer plus loin que (sa) soif et de ressentir « ce lointain proche » (Le chant de l’être) à partager. La poésie de Katty Verny-Dugelay peut donner l’apparence de la légèreté. Mais au fur et à mesure de la lecture se dessine au contraire une gravité intense, celle de l’être en son unicité. Sous la légèreté se dit en réalité la recherche de la transparence, celle qui révèle « l’enfant d’une autre naissance/sorti des eaux pures de la mémoire » (Corolles de l’ombre). Un sentiment prégnant de « nostalgie originelle » baigne tous les recueils de la poétesse. Poésie du bruissement, de l’air, de l’eau, poésie du murmure interprété comme le signe d’autre chose, comme un appel, un pressentiment de l’habité, la poésie de Katty Verny-Dugelay est célébration. Ce qu’il faut entendre chez elle, c’est qu’il y a derrière le paysage, derrière la plante ou l’animal auxquels elle donne langue, « un langage à traduire/jusqu’à l’épuisement/ jusqu’au bouche à bouche des étoiles » (Rhizome) ainsi qu’une prière secrète que « les oraisons du vent/le balancement du pin/ ensemble récitent (en) une litanie d’instants » (Herbe ouverte). « Chercher l’autre côté des choses » est une constante de l’œuvre de Katty Verny-Dugelay. Elle s’interroge : « que me veut chaque chose contemplée » et son regard introduit un retournement où les choses alors s’offrent dans une fécondité inépuisable à nos yeux dessillés. Le voyage intérieur La poésie de Katty Verny-Dugelay est « rhizome », racine multiple et souterraine qui trouve la force de ses mots dans la sève tirée des terres adultes fortifiées par l’enfance et la mémoire. Cette parole dit la précarité de l’être, du désir, du sens mais aussi et surtout la puissance de l’amour. Celui qui ouvre et « mène au-delà des mirages/à la vie et au puits » (Rhizome). Parole de délicatesse, de finesse, elle suggère mais n’impose pas. Poésie toute de concision qui crée un mouvement du regard de l’extérieur vers l’intérieur, aval et amont des choses, flux et reflux de la luxuriance qui cache, mouvement vers l’essentiel qui dénude la parole et se dit en creux de l’image. L’intime et l’infini, deux extrêmes que côtoie la poétesse et entre lesquels elle « invente (son) paysage » (La pointe du souffleur). Cette parole est voyage intérieur « dans l’opalescence de soi » pour « entendre le chant de l’être » (Le chant de l’être) et nous mener à une véritable conversion intime où « la lampe du regard/éclaire du dedans » (Saison du silence) faisant ainsi grandir toutes choses autour de nous et nous offrant le poème comme cet « instant éveillé » qui a « le goût du jour à vivre » et devient parole « mellifère » qui nourrit l’âme et la guide vers « l’aurore à venir » (Le chant de l’être) … Katty Verny-Dugelay était mon amie et sa parole forte et vibrante continuera son chemin en moi, comme une « main ardente » par-delà l’absence. Isabelle Poncet-Rimaud, mars 2024 Patience du jardinier Épilant les pins Son seul soin Trouver l’harmonie (Un souffle de pétales – Éd. Du

Isabelle Poncet-Rimaud, « Sonia Elvireanu, un regard infusé de lumière » Lecture par Isabelle Poncet-Rimaud du recueil de Sonia Elvireanu, Le regard… Un lever de soleil /Lo sguardo… Un’ alba, traduction Giuliano Ladolfi, Giuliano Ladolfi Editore, 2023 Prix François-Victor Hugo de la Société des Poètes Français – 2023 « La langue de la lumière » Dans ce nouveau recueil de Sonia Elvireanu, tout est une question de lumière, éclairage du regard que l’on pose sur l’impénétrable, sur l’apparence, le visible, le mystère de l’invisible et de l’absence, sur la beauté du monde en noir ou en couleur et ce regard nous entraîne sur les sables de la quête du poète, celle de l’Amour et de l’art qui font se lever le soleil du sens et de la vie. Ce beau recueil de Sonia Elvireanu ne se laisse pas aborder si facilement. Il s’ouvre et se referme sur le dialogue entre deux regards : la parole d’un peintre qui bute sur le mur des vers du poète, se sent étranger au mystère qu’ils recèlent. Il est difficile de pénétrer le mystère des vers, /impénétrable, je suis comme un mur/ dit-il – Il n’y a pas de mur à ne pouvoir décrypter, lui rétorque le poète : le langage des vers et celui de la couleur sont à même de faire se lever le soleil. Car le mur parle, à sa manière. Il oblige à regarder, à découvrir le travail de la lumière, à le franchir et à regarder le monde derrière lui qui s’y reflète. C’est donc le regard qui fait advenir la lumière. Pinceau du poète, il rejoint celui du peintre qui rompt la nuit profonde de l’être par la touche de couleur qu’il y met comme le poème, lui, s’illumine d’un grain, noyau de vie. Dans l’œil qui regarde s’allument ou s’éteignent /les couleurs de la vie nous dit le poète. Décrypter serait donc accomplir son destin, sa mission sur la terre …Trouver le sens, percer l’impénétrable, entrer dans l’univers de l’autre peut être un défi. Ne pas se sentir compris est une blessure : « Quelqu’un ne comprenant pas mon rêve, a secoué l’échelle, /un éclat de verre pointu ronge la ficelle maintenant, /il déchire petit à petit le rayon de lumière«  » Mais la vie coule dans tout désert et la langue de la lumière finit, elle, par ouvrir le cœur. « Ombre infinie de l’attente » Sonia Elvireanu est un poète qui parle dans une langue peu connue, une langue singulière faite de la lumière du ciel accoudée aux fleurissements du souvenir, de la beauté du monde et de l’amour. Ses poèmes sont accompagnés de présence ou d’absence sans qu’il soit toujours possible de savoir qui est l’ombre de qui. Ombre infinie de l’attente qui ajoute au charme du mystère poétique. Et nous laisse pressentir une présence suggérée, celle d’un Absolu vers qui se dirige sa marche. La poésie toute de délicatesse, de touchers aussi subtils qu’ailes de papillon, de traces légères et de douleurs contenues de Sonia Elvireanu nous entraîne vers les rivages verts/et bleus du silence poème. Ainsi, ce superbe poème : Une feuille d’érable emportée par le vent verse sur mes genoux le sang d’une plaie profonde, Les eaux de l’attristement de la solitude, la pointe d’une flèche, La feuille sanglante d’érable La feuille de l’amour étoilé tourbillonne vers les rivages éloignés Sonia Elvireanu, dans ce recueil-ci, nous emmène sur les sentiers du monde, qu’ils soient ceux des sables du désert, de la Grèce ou du paysage familier. Dans la brume laiteuse ou la lumière crue, ils gardent en eux le noyau du mystère, cet œil du ciel… Les couleurs, les senteurs, la vie en ses broussailles, l’eau, source ou mer, les ciels et les ponts entre deux mondes que sont les arcs-en-ciel, ces éléments qui forment l’univers du poète dans toute son œuvre poétique prennent ici une nouvelle gravité teintée d’attente tantôt offensée tantôt apaisée, symbolisée par l’ombre constamment présente. Malgré toutes les résistances, rien ne peut s’opposer au rayon de lumière qui conduit à l’heure destinée au cœur du mystère caché dans la touche de couleur ou le mot du poème et devient alors, éclat vivant d’un don qui s’offre. De la blessure a surgi la vie. L’art du peintre et celui du poète ont déchiré le noir et franchi le mur de l’impénétrable. L’un comme l’autre a fait se lever le soleil. Isabelle Poncet-Rimaud – février 2024 Le regard … lever de soleil « Un mur », écrit le peintre, Je vois tous les murs en couleurs, bleu, violet, jaune, vert, orange ou un mélange qui réabsorbe les couleurs, le mur peut être une métaphore, le vers une couleur, l’inscription : « Ne dépouille pas les mots de levers de soleil » la sensation d’impénétrable se brise ainsi un mystère existe dans tous les coins du monde, le regard est lever de soleil. Un rayon de lumière Rien ne s’oppose à la lumière, même pas l’homme-mur, il peut s’emmurer tout seul sombrant dans les ténèbres de son esprit, à l’heure destinée, la nuit fond en lui, coule telle le cierge allumé un rayon de lumière grandit en lui. Le don On portait sur nos épaules blessées de trop lourds fardeaux, on traversait le dos courbé les matins, sans être touchés par leurs scintillements, on s’est rencontré en été, deux voyageurs épuisés, une brise étrange a enlevé de nos épaules tous nos chagrins, des ailes de papillons ont poussé sur nos corps et notre envol évoquait une lumière. Pour suivre le travail d’Isabelle Poncet-Rimaud

Isabelle Poncet-Rimaud, L’écorce du silence Note de lecture par un musicien, Damien Charron L’écorce du silence, recueil de poèmes d’Isabelle Poncet-Rimaud, vient de paraître en janvier 2024 aux éditions Unicité. L’autrice a déjà publié une quinzaine de recueils, sans compter les parutions dans des revues ou des anthologies. Le titre m’ayant d’emblée interpelé, je voudrais partager mon approche du texte en tant que compositeur. Je connais Isabelle Poncet-Rimaud depuis de longues années et je suis régulièrement sa production poétique. Sa parole opère à travers des textes assez concis portant des images et des sensations prégnantes. Elle est traversée par des interrogations de nature métaphysique, spirituelle. J’ai eu la chance, en tant que compositeur, de l’analyser et d’en saisir la cohérence profonde lorsque j’ai mis certains poèmes en musique. J’ai d’abord écrit en 2000 un cycle de mélodies pour soprano et basson d’après des poèmes tirés de divers recueils, Dans la soif des mots. Puis en 2019 et 2020, deux mélodies pour mezzo-soprano et harpe : Une pomme au creux et Vanité des vanités, éditées dans le CD Varietas, mélanges pour harpes en carton, voix et harpions, paru en 2022. Le titre de ce nouveau recueil associe une image sensorielle forte, tactile, d’enveloppe protectrice (est-elle rugueuse, râpeuse, granuleuse ou au contraire lisse ?) à une notion presque philosophique, le silence. Je me suis donc demandé de mon point de vue de musicien ce que la poète allait tirer de cette alliance surprenante. D’autant que ce rapprochement opéré entre la matérialité d’une sensation et l’immanence du concept est réitéré dans les sous-titres des trois parties qui composent le recueil : « feuillures de silence » (le monde tactile avec l’emploi d’un terme rare avec son sens d’entaille, de rainure), « à l’ombre des silences » (l’univers de la lumière), « les cordes du silence» (la sensation de toucher, au moins dans son sens premier). Étant moi-même attaché au rapport entre le silence et la création, je souhaiterais mettre en évidence les traces d’un mécanisme d’auto-engendrement, qui m’a semblé transparaître dans ce discours poétique. Je pars de l’hypothèse que l’artiste inscrit en filigrane (consciemment ou non) tout ou partie de sa démarche au cœur de sa production. Je propose donc au lecteur de partir à la recherche d’une sorte d’art poétique. Écoutons le premier poème du recueil : « De l’imperfection du silence naissent les sons du monde. Balbutiement de parole ou clarté cristalline, vibrations secrètes qui écrivent leurs partitions sur le parchemin du temps. » Le premier vers introduit instantanément une sorte de décalage. Et de ce défaut surgit tout un processus, qui mènera jusqu’au phénomène de l’écriture. On pourrait aussi rapprocher la métaphore de la « faille » qui « souffle les mots » dans un autre texte. Ainsi le silence se voit attribuer divers caractères qui peuvent sembler paradoxaux : il est question d’« épaisseur » ou de couleur. Insensiblement, on passe d’un « imperceptible bruissement » à un « balbutiement de parole ». Ce qui était inarticulé (« cri muet ») devient « langage » puis « eau courante de la parole ». Et pour finir en écrit ou en « partition ». Cette dualité initiale se manifeste aussi dans des oxymores comme « silence sonore ». Plus largement, tout semble s’ordonner selon un principe d’opposition des contraires : « nuit / jour », « ombre / lumière », « bien /mal ». Comme l’énonce un poème de la deuxième partie, « Tout se tient et se féconde / dans les plis mêmes des contraires ». Ce jeu d’opposition structure sur un plan formel le poème suivant, où l’on peut observer un double chiasme : « Blanc du silence, silence blanc d’un autre côté où le temps même se tait. Silence blanc, blanc de silence. tout mot suspendu dans l’imperceptible bruissement d’un au-delà de l’instant. » Antichambre, Couvent de la Tourette, à Lee Ufan, plasticien Pour mieux comprendre l’agencement formel de cette inversion complexe, on pourrait la figurer par la séquence « ab/ba…ba/ab », où les lettres « a » et « b » remplacent respectivement « blanc » et « silence ». Il n’est pas anodin du reste que la double permutation affecte les deux termes signifiants « blanc » et « silence » pour faire ressortir leur parallélisme, voire leur confusion recherchée. Je voudrais terminer par un dernier exemple, où il apparaît que la poésie a en quelque sorte contaminé le monde au point de se substituer à lui, dans un parallèle saisissant entre la vie et l’écriture : « La dernière note de ton dernier souffle indéfiniment flotte suspend son temps, ne sachant, indécise, où poser l’écho mortel du mot fin. » Le recours à un nombre limité de sons facilite un jeu de reprise de sonorité, par des assonances (« suspend », « temps », « sachant »), ou par des répétitions (« dernière » « dernier »), ou encore par le choix d’une rime (« note et « flotte ») . Mais ce resserrement phonétique met également en œuvre un rétrécissement de l’univers des possibles, où s’inscrit la paronymie « mortel » / « mot » : la dérivation sous-entendue affirme alors leur intrication. Remarquons au passage la présence constante de sensations sonores faisant souvent référence à la musique. Dans le premier texte cité, les deux substantifs « vibrations » et « partitions » orientent l’esprit de l’auditeur vers l’univers musical, de même qu’à d’autres endroits quelques vocables un peu techniques comme « notes » (dans la dernière citation), « battements », « aigu / grave ». Ou encore une évocation du chant des oiseaux. On trouvera en guise d’instrument les « cloches du troupeaux » et même « la pluie à quatre mains [qui] pianote sur le clavier ». Au reste, c’est en raison de cette permanence discrète, mais certaine, que j’interprète le titre de la troisième partie comme un renvoi à une famille d’instruments de musique après la lecture attentive du dernier vers : « jouer des cordes du silence ». Dans ce court périple, j’ai tenté d’assembler, un peu à la manière d’un puzzle, les indices d’une force agissante de la création artistique, dépassant son propre message pour se signaler en tant que telle. Dans le souci d’y confronter ultérieurement ma propre démarche de compositeur. Bien sûr, je n’ai fait qu’effleurer un aspect de la poétique de l’autrice, laissant de côté des figures prégnantes comme l’arbre ou le jardin, et renonçant à aborder les thématiques de la mort ou de l’enfance. Lisez L’écorce du silence ! Isabelle Poncet-Rimaud, L’écorce du silence, poèmes, Editions Unicité, 2024 https://editions-unicite.fr/auteurs/PONCET-RIMAUD-Isabelle/l-ecorce-du-silence/index.php Site d’Isabelle Poncet-Rimaud : https://www.isabelleponcet-rimaud.com/ Site de

Au plus près de la lumière : Sygne de Marguerite Genest Alors que je préparais une « Promenade urbaine » architecturale et poétique à Aulnay-sous-Bois, consacrée au groupe des jeunes poètes de l’Orphéon, la fille du peintre Gabriel Robin m’a donné à lire Sygne de la poétesse Marguerite Genest publié en 1973. Le recueil est signé M. A. Genest : « M » pour Marguerite, « A » pour Ambrosini. La poétesse prend pour nom de plume Genest. Elle est « une voix », liseuse à la radio, dit d’elle son fils, le poète Bernard Hreglich. Elle fut dans les années 1950 la compagne du poète Serge Wellens. « Marguerite, ma seule aurore », écrira Wellens, en titre du recueil qu’il publie aux Cahiers de l’Orphéon en 1956. Tous deux se sont rencontrés à Aulnay lors des rencontres poétiques organisées sous le préau d’une école, auxquelles le groupe de l’Orphéon conviait les habitants. Marguerite Ambrosini interprétait la poésie et notamment les poèmes de Wellens. M. A. Genest, Sygne, Guy Chambelland, éditeur, 1973 Je suis entrée dans ce texte comme par un grand saut, surprise par son intense et immédiate vitalité. Dès la première page, la liberté ! Le souffle y court sans se dérober. Les mots abattent les obstacles. Sans gaspillage, par le hasard aérien du rythme du sang, ils ferraillent à travers l’ombre et la lumière dans l’étendue inapaisée du poème. Parfois, le territoire où vit Marguerite Genest ressemble à un champ de bataille où s’usent les appels et les peurs que la fin illumine malgré tout : « lumière comme une arme à bout portant ». D’autres fois, absence ou oubli, ses mots se lèvent en une eau abondante, « une larme brille quand la mer revient ». Puis vient le silence. J’aime ce territoire poétique soulevé au plus près de la lumière. Sans timidité ni fausse pudeur. Avec une fidélité à l’urgence qui me touche. Les mots secoués, éperdus, comme un battant sonnant à la volée. Vitalité ! ici, Marguerite Genest joue à se sentir vivante, là, elle vit de destruction. Mais toujours les mots l’emmènent ailleurs, au rendez-vous des arbres, des vents, d’un merle. Cris, plus que paroles. Cris, pour se rappeler à l’ordre souverain d’une vitalité inépuisable. A l’heure vague où la parole manque, où les désirs se retournent contre eux-mêmes, les cris ont la tendresse tenace ; ils nous démasquent, ils nous poursuivent, toujours plus haut, plus loin, hors des cercles étroits. Alors, en lisant le recueil de Marguerite Genest, il me semble que la poésie rend la distance moins grande entre cette femme et moi comme entre moi et moi-même. Ses mots se portent en flèches de lumière, accentuant les ombres – mais comme ces ombres nous aiment – ; et j’y trouve des mots pour étreindre ce qui voulait s’exprimer : un fil de souffle, des contradictions unifiées, « une planète / ronde unie et forte comme une sphère / Comme une pomme aussi / qui a le goût de la blessure ». La lecture me laisse pressentir que la colère, la douleur et l’effroi même dont témoigne la poète donnent l’énergie. Car la poésie ouvre – « rouge de franchise » – sur beaucoup plus que l’expression de sentiments. Instant d’inattention de la raison – les retenues sont débordées : une musique – sans acte de volonté – se dérobe à la saisie. Et trébuche de mot en mot. Mots : ces vocables simples et parfois endormis, où la musique se réfugie, que la musique effleure et délivre, que la musique entraîne vers un ailleurs. Là, la lecture installe sa nécessité. Lorsqu’elle s’accorde avec le rythme d’une énonciation, un cillement, la marche « sur dix routes différentes » et un peu de poussière résolument écartée, s’élèvent la stupéfaction de comprendre une langue étrangère, le courage de regarder et la jubilation. Une plénitude entraperçue dont je retiens quelques fragments d’or, comme la poète ces mots notés sur une page, signes de la lumière entrevue. AMZ, automne 2023 Sang profond Sang profond. Ne saviez-vous pas ? Moi, depuis que je connais l’Assassiné-Vivant, je sais. Il y a trop de sang. Une petite saignée, une fois, n’a pas suffi. Il en a encore beaucoup trop. Il l’entend couler, rougir, bondir, se battre, hurler, chanter, pleurer, se calfeutrer, faire le mort, ressurgir plus vivace, hâtivement se remettre à filer de la vie (filer, filer, il faut filer injurier et encore filer), bâtir, construire, chercher, trouver, dire Oh, dire Merci, cascader, pénétrer, aimer. Si peu digne, si dure merveille, cher sang détesté, je suis à toi. J’ai si longtemps connu l’Hiver Et pourtant Soleil tu sais ma volupté quand tu me manges Soleil silence au faîte de mes cris. De longs jours sans bouger De longues années sans brûler Il n’y avait personne Maintenant comment vivre L’horreur de la nuit déborde sur la vie A nouveau ne bougeons plus Inertie splendeur réelle Mort seul acte lumineux qui me reste Pourtant ton cri autoritaire merle dans cet après-midi de mai Qu’ai-je à faire d’un cadavre ? Des cadavres il y en a tant et tant Mais vous les morts que j’aime levez-vous soyez les vivants absents Levez-vous Enlevez ces peaux mortes qui couvrent le plancher et cette odeur d’herbe carnivore de planète disloquée Levez-vous il reste encore quelqu’un Un seul suffirait à tout déblayer Un seul mais vivant Le geste lent la voix qui sait – très peu de mots – le son de cette voix presque le silence Le silence la patience Etre en dehors du temps Itinéraire contraire ! Achevée ma chair natale … Ne plus être dans le temps ? Y aura-t-il encore des sourires des éclairs ? et des mots qui seraient plus que des mots … Etre plus que je ne suis. Signature Je suis à tous Je suis à un seul C’est peut-être cet oeil doux et anxieux dans le dedans dans le dehors C’est peut-être cette épée qui caresse C’est peut-être ce noyau immobile et secret Il ne s’est jamais rien passé que ce regard cette caresse cette immobilité de pénombre et de bruit Pour la promenade urbaine, Les

Denis Emorine, « Sonia Elvireanu, un regard de poète au cœur du monde » Lecture par Denis Emorine du recueil de Sonia Elvireanu, Le regard… Un lever de soleil /Lo sguardo… Un’ alba, traduction Giuliano Ladolfi, Giuliano Ladolfi Editore, 2023 Rien ne s’oppose à la lumière, constate Sonia Elvireanu dans un des poèmes de ce recueil. La palette du peintre évoqué en liminaire permet à la poésie d’éclore à la faveur d’un lever de soleil. Soleil… Le mot revient souvent ici: « le soleil glissant à travers tous les murs », « les scintillements du lever de soleil », « le soleil du lieu où les dieux/ont ensemencé le rivage », « …sous le rayon/de soleil ». Cette métaphore filée imprègne et illumine forcément tout le recueil. Inévitablement, la lumière baigne cette poésie. Même l’ombre, l’obscurité semblent factices : « Le noir infusé de lumière n’est pas opaque,/les rayons du soleil s’y reflètent,/brisent l’obscurité comme la lune dans la nuit » « comme dans une symphonie de couleurs » « comme le rayonnement de l’amour » . Le titre nous l’indique clairement, tout est révélé par le regard attentif de la poétesse. Avec Sonia Elvireanu, le bleu semble presque une couleur chaude sous « les ailes de la terre amoureuse», nous dit-elle. Tout resplendit ici. Tout est accord au sens musical du terme. Sonia évoque les dieux, les lieux sacrés où la nudité d’un corps de femme consacre l’éternité du monde et l’accord suprême entre une femme et un homme. Dans le poème Nu sur la terrasse -on croirait le titre d’un tableau- où la poétesse se met en scène, Le regard de l’aimé glisse sur ce corps offert, la nature est un miroir qui reflète un désir sous-jacent, prélude au sacrifice de la femme complice ,à la faveur d’un rite païen en harmonie avec la nature qui préside à la cérémonie : l’autel sur lequel tu es prêt à me sacrifier, l’œil de l’amour sans crépuscule, cette scène de théâtre épiée par le lecteur voyeur est l’ expression même du désir. * Dans ces lieux visités par Sonia Elvireanu, « la lumière perce l’obscurité «  même dans un hiver gris » et le poème monte vers un ailleurs entre sable, mer et ciel, là où les dieux ont laissé une empreinte de mystère. Avant de disparaître ? « Borné dans sa nature, infini dans ses vœux, l’homme est un dieu tombé qui se souvient des cieux. » écrivait Lamartine.1 * Et pourtant la beauté, l’harmonie , la sensualité célébrées par Sonia n’empêchent pas une allusion à la guerre, si peu voilée qu’elle nous atteint particulièrement. Dans Folie ténébreuse, rien ne nous est donné, aucune indication géographique, même pas un simple nom de ville, une ville en flammes : laquelle ? nous ne le savons pas et c’est d’autant plus impressionnant. Le paysage est flou, voilé par l’horreur ; le brouillard de la démence, s’exclame Sonia Elvireanu tandis que nous pensons à l’Ukraine. L’expression une ceinture de feu revient deux fois. Le contraste avec tout le recueil est violent. Est-ce pour nous mettre en garde contre la beauté toujours évanescente d’un paradis menacé sur terre ? On ne peut répondre avec certitude. Qu’importe. Il est difficile de refermer -et le faut-il vraiment?- cette parenthèse. * Sonia Elvireanu écrit en symbiose avec le monde. Peut-on parler de panthéisme dans cette poésie tellement la nature semble un temple vivant là où l’homme limité et même entravé par sa condition de mortel devrait retrouver le premier matin du monde avec dans la bouche un goût d’éternité ? Le temps semble parfois suspendu en un « commencement sans fin ». Rien ne s’oppose à la lumière même pas l’homme-mur Par la grâce de sa poésie, nous pouvons retrouver le sens de la lumière qui irradie un monde harmonieux, sans fin où il devrait faire bon vivre. Sonia Elvireanu en est la prêtresse, le démiurge Sans guide, nous ne savons pas à quelle porte frapper, où retrouver l’entrée d’un monde perdu ; revenir sur le lieu qui n’appartient qu’à toi croire que tu peux retrouver ton histoire… Les dieux parlent par la bouche de Sonia Elvireanu. Elle est aussi « sur le sable Nausicaa [qui ] accourt pour accueillir/l’étranger jeté sur le rivage par les eaux » Et me revient en mémoire ce bel aphorisme de Nietzsche : « Il faut quitter la vie comme Ulysse quitta Nausicaa avec plus de reconnaissance que d’amour (2) » 1 Méditations poétiques 2 Par- delà le bien et le mal https://www.ladolfieditore.it/index.php/it/catalogo/zaffiro/le-regard-un-lever-de-soleil-lo-sguardo-un-alba.html

Eva-Maria Berg, Tant de vent négligé / So viel Wind ungenutzt Ecriture à contre-jour. Ombre découpée sur une lumière venue de l’horizon. Elan ! pour rejoindre le lointain. Eva-Maria Berg écrit comme le voyageur se met en marche. Prend le parti du néant. De la faiblesse. De la cendre. De la peine mêlée aux choses du monde. Descend lentement sur l’échelle des mots et se suspend au-dessus d’une déchirure d’où s’élève une musique :  » absolument / jouer / avec la langue / pour ne pas la perdre / comme si un poème prenait au sérieux / le mot et l’enfance / et le début toujours nouveau / commence par lui-même / du premier cri au dernier / souffle à la poursuite de sa tonalité / pour trouver son propre son « . Dans Tant de vent négligé comme dans les autres recueils, l’écriture d’Eva-Maria Berg est sans complaisance. La poésie dépasse en cela la grâce d’une impression. Ce qu’elle économise, je le reçois en plein coeur et j’apprends à travers elle à me séparer du flou, du rêve, de l’illusoire. Car il s’agit de voir,  » les yeux / et la bouche l’oreille / ouverts « , au prix de la vie : « combien de bleu / supporte l’oeil / sans se noyer / ou se disperser / dans l’air ». La langue se fait précise. Elague. Se décante. S’accorde avec les discordances et le silence. Etire ainsi la ligne de vie assurant comme elle peut le voyageur. L’esprit plonge alors en une méditation intime dans laquelle le lecteur convié se retrouve parfaitement lui-même. … ainsi que l’écrit Eva-Maria Berg dans un des derniers poèmes du recueil :  » et celui qui lève encore les yeux / ne voit plus de ligne point / d’idée quand sera enterré le mot / dans l’anonymat «  so viel wind ungenutzt die menschen nicht fähig zu fliegen die häuser verankert niemals zu versetzen die energie zu belastet sich in luft aufzulösen doch die augen ein leichtes sie mitzureissen wohin auch immer tant de vent négligé les hommes incapables de voler les maisons ancrées jamais à déplacer l’énergie trop polluée pour se dissoudre dans l’air mais les yeux il est facile de les entraîner n’importe où was bildest du dir ein beim schreiben schaust du tatsächlich von dir weg siehst die gesichter näher kommen mit jedem wort gibst du versprechen sie festzuhalten sie zu retten was bildest du dir ein beim schreiben hast du die augen offen für all die angst und hoffnung auf eine bleibe wenigstens im text ein dach über dem kopf bevor der stift abstumpft qu’est-ce que tu imagines en écrivant regardes-tu vraiment au plus loin de toi vois-tu les visages s’approcher avec chaque mot te promets-tu de les retenir de les sauver qu’est-ce que tu imagines en écrivant as-tu les yeux ouverts face à toute angoisse et tout l’espoir d’une demeure au moins dans le texte un toit au-dessus de la tête avant que le crayon ne s’émousse mistral du wirbelst den sand ins zimmer auf wessen spuren gehe ich hier dessen abdruck am ufer nun fehlt mistral tu souffles le sable dans la chambre sur les traces de qui je marche ici dont l’empreinte manque dès lors au rivage wieviel schichten menschheit sind überbaut wir legen das ohr au den boden erschüttert wird jemand denn uns nachspüren und gibt es dann dafür noch grund sur combien de couches d’humanité a-t-on bâti nous collons l’oreille au sol bouleversé est-ce que quelqu’un fera des recherches sur nous et y aura-t-il encore une raison à cela Eva-Maria Berg, Tant de vent négligé -So viel Wind ungenutzt, édition bilingue, traduit de l’allemand par l’auteur en collaboration avec Max Alhau, Editions Villa-Cisneros, 2018 http://www.eva-maria-berg.de/